Éste es el primer post que escribo sobre una banda que encontró un lindo balance entre algo de folk, algo de locura psicodélica y mucho engranaje melódico. Se llaman The Association y su gran época fueron los últimos años de los 60's con algunos hits de inmensa popularidad. Su primer suceso fue "Along Comes Mary", canción que conocí cuando me compré una serie de DVD's de la colección de programas remasterizados del conocido "Ed Sullivan Show" y me vino una buena presentación en vivo de esta canción.
En vivo en el icónico Festival Pop de Monterey (1967) :
Versión original del single :
Fueron los Association los que abrieron el Festival de Monterey el año en que empezaron con su racha de sencillos exitosos con "Along Comes Mary", que alcanzó la posición #7 en USA en 1967. Como es costumbre, hay quienes dicen por ahí que la 'Mary' de esta canción es no más que el nombre en jerga elegido aquí para cantarle a la marihuana. Tal vez, aunque no exista una confirmación de esto, no es del todo descabellado.
"And then along comes Mary And does she want to give me kicks, and be my steady chick and give me pick of memories Or maybe rather gather tales fromhe fails and tribulations No one ever sees"
La flauta hace la distinción poniendo el toque misterioso y juguetón a "Along Comes Mary", una de las más movidas y hasta casi atrevidas canciones del grupo. Vienen más de ellos en mi soundtrack.
La canción que vendió el "Design Of A Decade 1986/1996", el en ese entonces esperadísimo nuevo sencillo de una de las fuerzas más excitantes y carismáticas del pop de fines del siglo XX, miss Janet Jackson, con una costosa realización en vídeo en diversas locaciones representando algunos de los lugares mencionados en la letra de "Runaway", el primer single en entrar de frente al Top 10 en EEUU de una artista femenina.
Una interesante mixtura de instrumentación y efectos de sonido están presentes en "Runaway", dando énfasis al mensaje de viajar por el mundo para darse cuenta que a pesar de los bonitos y distantes lugares, siempre se extraña a aquella persona especial. Positiva, buenísima para despegar nuestros ánimos y sonreír mientras escuchamos a Janet alegre, aventurera y coqueta, cantando aquí más en registros bajos que altos, "Runaway" es un pequeño puente musical hacia la Janet más experimental que veríamos con "The Velvet Rope" dos años más tarde, y que en 1995 llegaba al #3 del listado norteamericano de singles promocionando su primer disco compilatorio con varias de sus más reconocibles megahits de los 10 años de explosiva carrera entre 1986 y 1995 en ese entonces, a pesar de adelantarse por un año en el título del cd.
Su nombre es parte de la escena country desde inicios de los 90's y cuando en 1999 lanzó el album "Breathe", Faith Hill llegó a la cima del pop también. Y no es que nunca hubiera sonado antes en las radios fuera del formato country, pues ya había tenido "It's Your Love" (a dúo con su esposo Tim McGraw) y "This Kiss" dejando huella en las radios pop, previamente al éxito arrollador de "Breathe", el sencillo que la llevó a coronar el año 2000 con la canción #1 de todo el año en USA según la revista Billboard.
Cuando las radios de música country ya le habían dado de alma en los últimos meses de 1999, recién empezó a escalar los peldaños del formato mainstream pop en el 2000. Y así terminó conquistando el adulto contemporáneo también expandiendo su alcance por todo EEUU y triunfando en más países. Incluso aquí en Perú la canción llegó a sonar en Telestéreo 88 FM y en Radio Z Rock & Pop, y recuerdo mucho a Diana García promocionando este éxito de Faith Hill en la programación de su 'Tú, Yo y Mis Discos' en el 2000 y presentándola al final como una de las mejores del año en su espacio radial. En aquel entonces efectivamente de la radio la pasé a cassette y esperaba infructuosamente que algún canal de cable transmitiera su vídeo de manera completa. "Breathe", con una producción limpia de excesivo adorno y a modo de power ballad con elementos muy sutiles del sonido country, con Faith Hill confesando su entrega total física y emocionalmente a su hombre, (felicidades, Tim McGraw) fue #2 en el ranking semanal del Hot 100 Billboard pero como se paseó meses y meses en los primeros puestos del semanario, se alzó con el #1 del ranking anual del 2000.
Encantador, sexy, poeta, rebelde, verdadera figura icónica del rock...como quieran llamarlo sus fans, Jim Morrison y su banda The Doors han sido abanderados de la rebeldía sesentera y parte del mito del rock and roll por 4 décadas ya. Pero salvo ciertas canciones, a mi me parecen una buena banda de fusión de blues, psicodelia y sensibilidad pop con algunos pasajes de oscuridad lírica y sónica cuyo estilo borrachoso y egocentrista en torno a su líder a veces opacaban la música y nunca me terminaron de convencer ni transmitir mucho más que algo de curiosidad mezclada con cierto rechazo. Pero por lo menos puedo decir que tengo algunas favoritas que compartir. Aquí la primera:
De 1967, año de muchas favoritas mías, aquellas que se llevarían 5 estrellas si me decidiera a calificarlas así, ("Happy Together" de Turtles, "All You Need Is Love" de Beatles o "Tell It Like It Is" de Aaron Neville sólo para poner 3 ejemplos), viene este blues cortito en duración pero que te engancha a la primera con ese despliegue de notas psicodélicas de guitarra y voz, en este caso, la de Jim Morrison, que aprovecha el vaivén melódico de "People Are Strange" para transmitir energía sexual a la vez que te evoca la sensación difusa y loca de una fumada de aquellas. Fue el primer single que se lanzó del LP "Strange Days" y si retomamos lo de las estrellitas calificatorias yo le daría unas 3 y 1/2.
Survivor es una banda rockanrolera que parece merecer de verdad su nombre. Decisiones que llevaron a conflictos, cambios de vocalistas y pelean dentro de la banda, reemplazos, declive y separación, reconciliación...y en el 2011 aparentemente reuniéndose luego de años. En 1985, del disco "Vital Signs" y luego de los exitosos singles "High On You" y "I Can't Hold Back", lanzaron esta tiernísima balada que alcanzó el 4to lugar en la lista Billboard. "The Search Is Over" conquistó también las emisoras radiales peruanas que hasta ahora la pasan.
Por mucho tiempo no pude identificar el nombre o artista de esta canción. En primer lugar, no era la misma voz del (futuro post) megahit "Eye Of The Tiger" y segundo, pensaba que tal vez el título era 'I was living for a dream'...bueno, y entonces, así anduve perdidazo por años hasta que en radio 'Z' creo que fue Coco Valderrama el que me des-asnó al presentarla bien presentada, con título y artista. El creador del tema fue uno de los fundadores de Survivor, el músico Jim Peterik, de quien hablaré más en un post próximo sobre la banda Ides Of March, mientras que la voz en esta grabación le pertenece al famoso líder del grupo entre 1984 y 1989, Jimi Jamison, en este segundo renacimiento a mitad de los 80's.
Silver Convention fue la creación de Sylvester Levay y Michael Kunze, dos músicos alemanes que al principio lanzaron al 'grupo' como un proyecto de studio, con vocalistas remuneradas sólo para la grabación. Luego se decidieron a contratar cantantes capaces de grabar y presentarse en público y llegó la fama! Al menos con un par de canciones...la segunda de éstas, "Get Up And Boogie (That's Right)" fue #1 en Canadá y #2 en USA.
Versión 7":
El concepto de canción bailable, 90% instrumental dejando sólo un puñado de palabras que se cantan una y otra vez fue la marca registrada de Silver Convention. El primer trocito de "Get Up And Boogie" que escuché en mi vida llegó en la forma de unos cuantos segundos de cuando se encontraba entre las 5 primeras del ranking norteamericano, en un 'flashback' del 'American Top 40' en alguna semana de 1994. 4 años después la pasaría a cassette desde un cd variado original de música disco que estaba a la venta en la tienda Blockbuster donde me desempeñana en mi primera chamba, vendiendo música. Y luego la compré en disco 45 y ya en los 00's la descarqué en mp3. Wow, la tengo en todos los formatos, al igual que su primer hit!
Al principio no me gustó mucho esta canción, pero luego de algunas semanas de escucharla en el 'American Top 40' empecé a descubrir el encanto de esta bastante simple y a la vez muy directa canción sobre atracción y calentura de las SWV. Cheryl 'Coko' Clemons, cantando de manera muy sensual y en tono grave la primera mitad de la canción para luego llegar a los altos registros al final, es el sinónimo de sensualida y de flirteo en "Weak".
Me tomó cierto tiempo identificarme con "Weak" sobretodo teniendo en cuenta cómo aún me encantaba "I'm So Into You", la primera canción que rankearon y que yo conocí meses antes en 1993. Además me sonaba un poco extraña la voz principal en esta canción (ya me bastaba con el tono grave y ronquito de T-Boz en TLC) pero la buena construcción musical y la resolución de sentimientos de "Weak" me fueron atrapando. En el 'AT40' alcanzó en 2do lugar, pero en el ranking oficial de la revista Billboard estuvo 3 semanas #1 superando el millón de copias vendidas.
Paul McCartney tuvo que poner el pare a las interpretaciones de que "Can't Buy Me Love" (compuesta por él) trataba sobre una prostituta. Era el sencillo que los chicos tuvieron que producir con George Martin en seguida, un poco apurados luego del inmenso éxito en Norteamérica de "I Want To Hold Your Hand" su primer éxito en USA. Así las cosas, Martin puso la primera línea del coro de la canción como intro y outro para llamar más de frente la atención de los oyentes.
Audio solo:
Una de las canciones más populares del catálogo del grupo que además por muchos años contó con una marca muy singular en el Hot 100 Billboard, el haber saltado en una semana del puesto 27 al #1 (el récord lo rompería primero Kelly Clarkson en el 2002 saltando del 52 al 1 con su canción 'coronación' de American Idol, "A Moment Like This"), "Can't Buy Me Love" resulta de la influencia del blues y el rock rítmico y eufórico de los 50's en EEUU que tanto quisieron los Beatles emular en esta primera etapa de sus carreras. Otro logro histórico (y hasta histérico) que los muchachos lograron la semana que "Buy" saltaba al 1 fue completar los 5 primeros lugares de popularidad con sus canciones, de modo que dentro de las 100 calientes de esa semana (la que culminaba el fin de semana del 4 de Abril de 1964), el Top 5 se veía así:
1. Can't Buy Me Love - Beatles
2. Twist And Shout - Beatles
3. She Loves You - Beatles
4. I Want To Hold Your Hand - Beatles
5. Please Please Me - Beatles
"Can't Buy Me Love" sigue sonando duro en las estaciones radiales mundiales que tocan los 'oldies goldies', y por ejemplo aquí en Perú es una de las más populares de los Beatles en difusión, al menos, desde que yo tengo memoria. También, una de las primeras canciones en inglés que aprendí a cantar desde chiquito.
Bravo por LL Cool J por lanzar su "Mr. Smith" en 1995 y celebrar así sus 10 años en la industria con el disco con más hits que cruzaron el éxito masivo hasta el pop hasta el momento. Y pensar que este rapero neoyorquino seguiría rankeando fuerte incluso 11 años más tarde. Eran los días de los 'segmentos' ya que entonces habían muchas canciones que sólo podía conocer por pedacitos en el mini espacio dedicado al Billboard Top 10 del programa 'Ayer y Hoy'. Mi frustración era brutal, sin embargo estaba digamos, acostumbrado a la fuerza. En el caso de "Loungin" gracias a un amigo pude escucharla completa ese año.
La versión original, aunque es en verdad, una canción completamente distinta, aparece en el album "Mr. Smith" mientras que el bombazo comercial fue este remix, con un gancho que pega como caramelo cocoroco que se lanzó como single en Junio de 1996 contando con renovada instrumentación cortesía de Trackmasters y el acompañamiento en los coros del trío r&b Total, volcando toda su sensualidad a uno de los temas mejor recibidos por la radio en lo que va de la historia de éxitos de LL Cool J. Aquí en Perú por supuesto, jamás sonó, pero apenas la escuché completa (una hazaña!) en la casa de un amigo con cable, se volvió una de mis favoritas de ese año. Disco de platino en USA, #3 en el Hot 100 Billboard, "Loungin (Who Do Ya Luv Remix) (con elementos de "Who Do You Love" de Bernard Wright), mantuvo a LL en la cresta de la popularidad.
El último real éxito de la chica pianista con alma madura, la sensación del pop juvenil Debbie Gibson, una de las artistas femeninas más queridas por mi, entonces, de 9 años, cuando sus vídeos se encontraban en alta rotación en la tv peruana en los programas de música pop. "No More Rhyme" una canción que supuse sería una contendora para el 1er lugar en EEUU u otros rankings internacionales, pero me equivoqué, es otro signo de la madurez que Gibson empezaba a alcanzar con sus composiciones. Una pena que el cambiante escenario musical no le permitiera demostrarlo.
Temiendo que la calma, la casi perfección de una relación se revele como un completo espejismo, "No More Rhyme" demanda cometer errores, expresar sentimientos, romper con las ilusiones y despertar de una vez por todas de esos sueños preciosos que al convertirse en realidad no les queda más opción que reconocerse como utópicos, canciones sin ritmo, versos sin rimas. Melódicamente menos fácil de escuchar que algunas baladas anteriores y con un halo melancólico más evidente, le costó a 'Rhyme' convertirse en un éxito comercial, en parte porque la mayor parte de la gente interesada en la canción probablemente ya contaba con el LP "Electric Youth" pero quizá era el principio del desenamoramiento del público con su música (o el pop juvenil en general). Fue una de esas que me aprendí de memoria instantáneamente en mi niñez y podía cantarla donde sea que se ocurriere, claro que aún sin tener mayor idea de su significado. Me sigue encantando. Ah, sí, es Danica MacKellar de "The Wonder Years" haciendo como que toca el cello al inicio del clip, por siaca.
Russell Hitchcock y Graham Russell se conocieron en 1975 en la producción australiana de "Jesus Christ Superstar" (faltaba más) y con Chrissie Hammond formaron la base de lo que se convertiría, al partir este último, en Air Supply. Ya en 1980 luego de 4 albumes que rankearon en Australia, el éxito internacional les llegó con el Long Play "Lost In Love" (1980) y para ese entonces (esto lo sé, aunque yo apenas tenía 1 año de nacido) ya había en mi casa un disco compilatorio con música de varios artistas editado en Perú por la FTA que traía el tema título del disco así como este 2do sencillo "All Out Of Love".
"All Out Of Love" fue el sencillo más vendido del "Lost In Love" este 5to LP en la carrera de Air Supply logrando colocarse #11 en el Reino Unido y #2 en USA. Como todos sabemos, la música del dúo es más que representativa del adulto contemporáneo de inicios de los 80's, y su sonido y combinación vocal entre Russell y Hitchcock es una de las marcas registradas más fácil de identificar en la historia de las baladitas en inglés. Y aquí en Perú se aman masivamente este tipo de baladas dulces e inofensivas. Air Supply en esta etapa de su carrera solía dar protagonismo al tierno sonido de la guitarra de Graham Russell, como en "All Out Of Love" (cuyo intro con guitarra es editado a la mitad en la versión single) haciendo que Russell cante primero y sea la voz barítono que propone el sentimiento de alienación de la canción antes que Hitchcock despliegue su melodramatismo con su poderosa voz de tenor como suele hacer en los coros.
Como siempre suele suceder con artistas que empiezan una carrera y les toma algo de tiempo hacerse reconocidos por la audiencia masiva, Shabba Ranks (o Rexton Rawlston Fernando Gordon para su family) alcanzó el hit de su vida con una canción muchisisísimo más suavecita y pulida que aquellas primeras grabaciones que los fans del principio de su carrera aman. La primera versión fue grabada bajo el título de "Champion Lover" por Deborahe Glasgow en 1988 y Ranks la re-editó incluyendo su fraseo ragga. Para 1992 fue grabada de nuevo pero con la voz de Chevelle Franklyn ya como "Mr. Loverman".
Con renovada instrumentación, un acercamiento más soul/pop eliminando casi todo el beat dancehall original, con trompetitas bien colocadas aquí y allá y el innegable protagonismo de la tanto dulce como sensual voz de Chevelle Franklyn, "Mr. Loverman" alcanzó aceptación internacional entre 1992 y 1993, #40 en el Billboard Hot 100 ('92) y llegando a ser #3 en el ranking británico en su re-lanzamiento en el '93. Recuerdo escucharla mucho en Radio Miraflores en los programas de la BBC de Londres, específicamente en Multitrack que transmitía el Top 20 del ranking oficial del Reino Unido y también en "UK Chart Attack" que curiosamente se dedicaba a difundir los grandes éxitos del UK pero sólo provenientes de aquellos artistas no norteamericanos. Shabba Ranks, jamaiquino, estaba dentro de los que sonaban en este programa con su "Mr. Loverman" en el pico de su popularidad.
Destacado entre los 5 álbumes más vendidos en su carrera y con algunas de sus canciones más clásicas hasta el día de hoy, el Long Play de 1975 "Amor Libre" se ha convertido en un ícono de las producciones románticas en español de toda la historia del pop. Sus canciones son pilares de las programaciones dirigidas al corazón y hay una en especial que tal y como dice su autor e intérprete al presentarla en el siguiente vídeo, "también hay gente que tiene que amarse de un modo especial, a escondidas, mintiendo al mundo, conociéndose ellos. Y a esa gente yo le he escrito una canción que se llama "Piel De Ángel"."
Versión original en studio :
Una composición que ha hecho que mucha gente alrededor del mundo se pregunte si tal vez Camilo Sesto hablaba de una relación prohibida por ser entre dos personas del mismo sexo. Todos nos preguntamos si intentaba ir un poco más allá del mero hecho de tomar para su canción el asunto de amores clandestinos, quizá reflejando en la letra alguna experiencia personal o queriendo dar algún mensaje muy a su particular manera. "Piel De Ángel", conocida por muchos fans también como "A Escondidas" exclamación con la que Camilo empieza la parte del coro y que además ha sido muchas veces colocada como subtítulo entre paréntesis de este hit en discos compilatorios, evita mucho arreglo y detalle de producción instrumental para así sentir aún más desnuda y reveladora la interpretación de Camilo Sesto, que cuando nos dice "a escondidas tengo que amarte / a escondidas como un cobarde" o "a escondidas cada tarde / mi alma vibra, mi cuerpo arde" hace que la imaginación de su audiencia realmente tome vuelo y se relacione con cada palabra y entonación entregada en esta grabación de oro.
Quizá uno de los momentos más pop en la historia musical depre-alternativa de PJ Harvey, cantautora y multi-instrumentista que conocimos en los 90's los que escuchábamos una que otra vez radio Doble Nueve o los más afortunados que tenían acceso a cualquiera de los dos MTV's ya sea el gringo original o la versión latinoamericana. Después de un tiempo sin saber de ella de pronto MTV Latino programó dos vídeos suyos en rotación casi simultánea, "A Place Called Home" y este rock intenso llamado "Good Fortune".
"Threw my bad fortune Off the top of A tall building But I'd rather had done it with you"
Ésta canción la conocí en el 2001, a pesar que fue lanzada en Noviembre del 2000 y se rankeó ese año en el #41 del ranking oficial británico. El disco "Stories From The City, Stories From The Sea" se llevó algunos de los máximos reconocimientos de la industria, como el Mercury Prize en el 2001 y la inclusión dentro de los 500 más grandiosos albumes de la historia del rock en la opinión de muchos grandes nombres de la música, compilado por la revista Rolling Stone. Escrita como abrigando por fin un momento de renacimiento después de una lamentable fase amorosa, o por lo menos, un poquito conflictuada, "Good Fortune" es liberadora en todo sentido, con PJ Harvey exclamando su nuevo yo y nueva buena suerte al ritmo de un rasgueo de guitarra que invita a bailar y matar al pasado, zapateando encima de él si es posible.
Siempre Richard Carpenter y sus arreglos musicales muy hechos a la perfección y atmósfera necesarios para poner en primer plano el talento vocal de Karen Carpenter que sin mayores acrobacias vocales es capaz de tocar los sentimientos de quien la escuche, en esos momentos a solas, cuando uno no tiene más remedio que mirarse a sí mismo. De 1971, particularmente sombría, aquí "Rainy Days And Mondays" confeccionada de principio a fin para el disfrute de la melancolía.
Piano sobre solo un par de notas que presentan en breve la tristeza hecha voz en esta interpretación de "Rainy Days And Mondays" que se convirtió en el 4to #1 en la lista adulto contemporánea norteamericana y #2 en el Hot 100 Billboard. Es de la autoría de Roger Nichols y Paul Williams, quienes pusieron su talento a disposición del dúo de hermanos más de una vez. La primera vez que escuché solo segundos de esta canción fue en una edición del segmento del 'AT40 flashback' (del American Top 40) y supe que me enamoraría del resto cuando tuviera la suerte de escucharla completa, cosa que sucedió años después cuando en casa de una amiga pude disfrutar del 'Greatest Hits' de los Carpenters y allí estaba. Y desde entonces es una de mis favoritas.
El album debut de Andy Gibb contó con músicos de muy alto perfil como Paul Harris que entre sus credenciales está su trabajo con B.B. King, Seals & Crofts y ABBA, así como el entonces muy ocupado guitarrista de los Eagles, Joe Walsh quien ofrece su talento tocando en la hermosa y misteriosa "(Love Is) Thicker Than Water" el 2do sencillo del disco "Flowing Rivers" y el 2do #1 en la carrera del cachorrito Gibb que despegaría como cohete pero lamentablemente dejaría marcas a un talentoso joven aún no preparado para tanta fama.
"Save my life, should I go with her on silent nights? She'll drive me crazy in the end And I should leave this paradise, but I can't leave her While I need her more than she needs you that's what I'm praying for"
La forma de cantar es parecida a la de sus hermanos mayores, los Bee Gees, aunque va más por el lado sensualón y adolescente, recibió alta rotación en el momento cumbre del éxito de los Gibb y la moda de "Saturday Night Fever" incluyendo las canciones que no eran interpretadas por ellos pero si de su autoría, sobre todo de Barry Gibb. "(Love Is) Thicker Than Water" también está incluida entre las canciones setenteras que más he escuchado desde que era un infante, claro como todo lo de los Bee Gees y relacionados, ya que la radio limeña siempre los amó y ahora aún son parte del playlist de estaciones radiales como Mágica y Oxígeno. Un buen plus de esta canción es la contraposición entre la idea de ángel y demonio, cualidades que Andy Gibb describe al hablar de la chica que le quita el sueños, haciendo que su experiencia amorosa sea dura y difícil de superar, más alta que una montaña, de mayor espesor que el agua.
"One On One" es una de esas baladitas producidas con mucho cuidado y con mucho amor al sonido clásico del soul norteamericano, que astutamente logra tener los elementos de moda en 1983 como son ese sintetizador new wave y el appeal a las audiencias pop. Después de todo, hablamos de Hall & Oates, profesionales del blanqueo del soul en los 70's y 80's (léase blanqueo como hacer de esta música, mucho más acequible para las radios más orientadas al pop y no a la música más puramente negra). Favorita mía (ahora) y de mi hermano (quien moría por ésta en su momento). Aquí el clip:
Pasé la etapa de transición en la cual no quería saber mucho de Hall & Oates luego de que mi hermano se encargara de endiosarlos un poco too much en los 80's. Bueno, algo es un hecho, la voz de Daryl Hall posee una envidiable flexibilidad de tonos y de rango de falsetto, y engancha al toque al escucharlo combinado con el estilo entre alegre y misterioso de las canciones del dúo. Llena de color y vibraciones que se esparcen como pintando toda la estructura sonora de sensualidad y aventura, "One On One" alcanzó el 7mo lugar en el Hot 100 Billboard como 2do single del "H2O", que también nos ofreció probablemente el más grande éxito comercial de sus carreras, la inmortal "Maneater" (qué creen? Futuro post, obvio). En sonido e intensidad, una de las más indelebles producciones de Daryl Hall y John Oates.
Un sonido más sofisticado, con más profundidad en arreglos y cargado con mayor instrumentación clásica llegaba como 3er (4to en algunos países) sencillo del album "Runaway Horses" (1989) en la voz de la ex Go-Go's Belinda Carlisle. Luego de unos muy provechosos años 80's, especialmente en calidad de solista entre 1986 y 1988, a mí me sorprendió escuchar y ver el vídeoclip de "Summer Rain", un sonido menos bubblegum que varias de sus canciones exitosas anteriores. Desde los 10 años me enamoré de este tema.
Era la época de la lambada, el coco loco y las mexicanadas, (y una que otra me agradaba) pero mucho más feliz fui escuchando canciones como "Summer Rain" que me transportaban a otro mundo sonoro, a otro feeling, otro tipo de deleite, y de paso me daban reales ganas de cantar, cosa que hacía siempre con mis cancioneros 'funky hits' a la mano. Recién años después me enteraría del sombrío significado de esta canción, ya que es una historia contada desde la experiencia de una viuda de un hombre que peleó y murió en la guerra y cuyos recuerdos de la lluvia de verano son los que asocia con la primera vez que se conocieron. Carlisle da más énfasis a tonos graves de interpretación, acompañada de violines y sintetizadores que se complementan para dar esa sensación de urgencia que atrapa desde el principio en "Summer Rain".
Ésta banda holandesa sólo hizo música entre 1967 y 1974, pero en poco tiempo vendieron más de 10 millones de copias de sus álbumes y singles alrededor del mundo. Su mixtura de psicodelia, soul europeo, algo de folk, blues y rock denso pero melódico resultó exótico en algunos mercados y algunos de sus temas siguen siendo clásicos en radios rockeras. "Daemon Lover" fue un hitazo en Perú, aunque no fue promocionada o lanzada como un sencillo oficial de la banda en otros países, aquí sí se editó en 45 rpm, al parecer por demanda popular (o aventurada decisión de alguien en el sello discográfico).
Collage con diversas imágenes de la banda cantando otras canciones, muy bien editado por algún ultra fan de Shocking Blue:
"I'm bewitched and I know it, so well What the reason is baby, I can't tell It's that animal good looks you've got You show more than a lot Dae-eee-eeemon lover..."
Amo esta canción desde que tengo memoria, la conservo todavía en un viejísimo disco chiquito, como les decía yo a los 45 rpm de mi casa, era este "Daemon Lover" del sello Polydor, de encendido color rojo, edición nacional, y canción que siempre anduve buscando si había aparecido en algún listado Billboard, ya sea en USA o en algún otro país y nada. Muy aparte de que en Norteamérica son 'one hit wonders' por su hit "Venus" (futuro post), Shocking Blue nunca la lanzó como sencillo ¡en ningún lado! Por ello es inútil buscar mayor información sobre ella más allá de que pertenece al LP de 1970 "Scorpio's Dance" en donde se encuentra también "Sally Was A Good Old Girl" que en nuestra rarísima edición single de "Daemon Lover" aparece como lado B. La música me pone en trance, con una línea de bajo voluminosa, sensual, vital para todo el tono misterioso y alucinógeno de la canción, sumado a la hipnotizante interpretación de Mariska Veres y a los destellantes punteos de guitarra. Pero a los 2 minutos 30 todo cambia de ritmo, y la instrumentación se acelera en un rock and roll casi de fiesta que nuevamente vuelve a su cadencia zigzagueante 2 minutos más tarde. En Perú, los fans del pop rock la valoran mucho y con decir que es una de esas pocas canciones que une a mi madre, a mi padre, a mi hermano y a mí en admiración. "Daemon Lover", I love you!!
El 3er sencillo del 2do Long Play del ahora casi mítico grupo de hip hop Fugees, la placa titulada "The Score" resaltaba la lírica sabrosa de Lauryn Hill y Wyclef Jean sobre todo, dejando cerrar con un estilo algo más agresivo a Pras, un tema que basaba su melodía en "Ready Or Not Here I Come" de los Delfonics y sampleaba un extracto de "Boadicea" de Enya. Con esta última tuvieron que arreglar fuera de la corte por samplearla sin su permiso. ¿En qué estarían pensando?
Que si Enya decidió no demandar judicialmente a los Fugees porque al escuchar la canción le pareció que era un buen producto, o que si sólo quería que la reconocieran en los créditos del single y album o si no hizo nada al final porque era muy buena gente, no lo sabemos a ciencia cierta. La cosa es que en el booklet de mi cassette original gringo del album "The Score" comprado en Phantom Music & Video en 1996 (fue mi regalo de navidad del '96 de mí para mí) dice así: "Estamos muy agradecidos a Enya por su generosidad y consideración al dejarnos usar su track "Boadicea" de su album "The Celts" que aparece en la canción "Ready Or Not" el cual fue utilizado inicialmente sin su permiso." MTV le dio con fuerza y el clip se mantuvo en el #1 la misma semana que tuve la oportunidad de ir con mi cassetera setentera a casa de un amigo a ver tv por cable con la intención de chapar el "Top 10 U.S." de MTV Latino y grabar los éxitos del momento en el r&b/hip hop que la radio limeña jamás pasaba en su programación. La voz de Enya en este oscuro tarareo le hace el juego perfecto a la producción y letra de "Ready Or Not" transmitiendo al oyente misterio y suspenso en uno de los temas que fueron vitales para el suceso mundial del album.
Grupazo! Crearon un estilo tan propio en base a armonías soul llenando de colores y brillo preciosos los pasajes corales y contrapuntos en sus canciones que nadie puede olvidarse de lo únicos que llegaron a ser los 5th Dimension. Las voces de los 5 talentazos se integraban a la música soul, el pop, cierto classic rock y algo de adulto contemporáneo, y dentro de sus regalos musicales aquí resalto uno de sus primeros temas populares, un disco de oro (en ese entonces en EEUU, disco de oro para singles era igual a superar 1 millón de copias vendidas de 45 rpm) "Stoned Soul Picnic".
Composición de Laura Nyro, "Stoned Soul Picnic" introdujo la palabra inventada "surry", que sólo Nyro habrá de haber sabido que significaba. Cualquier vocalista que desee que lo idenifiquen como tal debería pasarse un rato en YouTube reproduciendo clips de los 60's e inicios de los 70's de los 5th Dimension, al menos para aprender alguito de lo que significa carisma y voces expresivas llenando un escenario. #3 en el listado Hot 100 de Billboard y de las primeras clásicas del grupo, ya que vendrían varios #1 luego, covers de compositores famosos que alcanzaron nuevos niveles de admiración gracias a que sus obras fueron tocadas por la magia de esta exitosa unificación de talento conocida como la 5ta Dimensión, antes y después de la era del acuario.
En 1989 ya no estaba presente Yola Polastry en mis días cotidianos, ya no veía su programa, que entonces había cambiado su nombre y su formato a "Yola Rocker" y más bien ya bien entradito a la onda de la música pop en inglés, mi atención se volcó hacia Madonna y Janet Jackson, para hablar sólo de las féminas, pero éste (y los siguientes dos años también) fue el año de Paula Abdul, con éxitos bailables y de excelente producción, con énfasis en las super pulidas y remezcladas versiones single y vídeos que te aseguraban 4 minutos de espectacularidad con rutinas de baile juveniles e innovadoras y siempre dejándonos con ganas de mucho más.
El vídeoclip perfecto para explicar mi transición de Yola al pop femenino en inglés, "Forever Your Girl", la canción y vídeo con el que conocí a Abdul que contaba con pequeñas estrellas infantiles preparando una presentación de baile y talento bajo la tutela de la ahora famosa cantante/coreógrafa, entre los cuales estaban Trevor Wright, Nikki Cox y Elijah Wood recontra chibolazos. La canción ya venía remezclada superando la lentitud y elemental versión del album con mucha más explosiva percusión, más protagonismo al dúo entre Paula y The Wild Pair acentuando el perculiar híbrido de r&b y dance del single. Número 1 en el "Ranking 13", mi programa musical adorado de 1989 así como también líder en la rotación de vídeos de MTV USA y el Hot 100 de canciones de Billboard (cuya copia venía varias veces adjuntada en los "Funky Hits" que mi hermano mayor compraba). 23 años después de mi primera exposición al talento de Abdul, lo que más rescato es la frescura de sus vídeos que indudablemente hicieron mucho por el éxito de sus canciones, que si bien por sí solas eran pegajosas piezas dance pop, sumadas al ánimo positivo, el talento bárbaro, la alegría y color de sus vídeos juntando la magia de los musicales con la adrenalínica estética adolescente y pre hip hopera llena de energía del público de MTV de fines de los 80's, conquistaron millones de fanáticos a nivel mundial e inspiraron otras muchas alumnas y alumnos de esta era a replicar algo de esa fantástica conjunción de elementos del entretenimiento.
Roberto Carlos es un hombre hecho para conquistar con su calidad interpretativa exenta de poses, envuelta en júbilo, a la vez cercana, cotidiana e inspiradora, y por ello cuando canta sobre Jesús, no se siente una reprimenda ni una prédica de púlpito en su voz, no importa realmente qué tan resistente uno se crea a la música cristiana, hay suficiente sabor y buena vibra cuando se trata de Roberto Carlos cantando una canción como "Él Está Al Llegar" la versión en español de "Ele Está Prá Chegar" (1981) uno de mis primeros lindos recuerdos de su arte.
El disco con el sello naranja de CBS en el medio del vinilo dando vueltas y vueltas y haciendo cantar a Roberto Carlos con ese Long Play homónimo (lleva como título sólo su nombre, como muchísimos de su discografía) es una de las muchas imágenes que tengo grabadas de cuando era niño y escogía y mezclaba discos en inglés y en español para escuchar en la casa. Este artista siempre supo transmitirme paz y calor humano a través de sus grabaciones y a pesar de ser este disco del '81 el único LP que conocí de niño, obviamente me fui familiarizando con el resto de canciones populares en Perú dentro de su enorme cantidad de hits. "Él Está Al Llegar" era el primer surco de este disco y una de las 3 o 4 canciones favoritas que tengo de Roberto Carlos en esta producción.
Sean Puffy Combs estuvo dando la hora como productor musical de varias de las más recordadas canciones de hip hop de mitad de los 90's en adelante hasta que llegaron los 00's. Lil' Kim, Total, Mary J. Blige, Carl Thomas, Faith Evans, The Notorious B.I.G. entre otros más rapearon y/o cantaron sobre sus reciclados beats de hits de los 70's y 80's encumbrándose una carrera como intérprete hacia 1997 cuando decidió ser el centro de la atención de una vez por todas. Basándose primordialmente en un tema del grupo Love Unlimited, aquí está una de mis preferidas del '97, del LP "No Way Out" y con los invitados precisos, "It's All About The Benjamins", hipnotizante y ponedora.
Tal vez el rapero más criticado desde M.C Hammer por hiper comercializar el género del rap sobre la base de éxitos musicales del pasado, Puff Daddy se volvió en nuevo entertainer del rap y a pesar de no contar con la famosa 'credibilidad de calle' como se le dice al respeto de la comunidad negra hacia los famosos cuando aún no han perdido esa conexión con sus orígenes, mantuvo sus credenciales como uno de los productores de mayor éxito y, sin duda, de mayor capacidad para convertir lo que toque en millones. Las mayores cualidades de "It's All About The Benjamins" son su tenaz uso de dos samples: "I Did It For Love" de las Love Unlimited durante la mayor parte de la canción y luego hacia el final cuando el ritmo cambia y Biggie rapea, un loop de "It's Great To Be Here" de los Jackson 5 es el que suena. Rapeando sobre la importancia de los 'benjamins' (jerga para denominar los billetes de 100 dólares), Puffy Combs, The Lox, Biggie y sobre todo Lil' Kim quien ofrece un verso resaltante y enérgico ponen el ajicito en el hip hop de fines de los 90's, en la última etapa en la que pude confiar en MTV Latino para ganarme con los videohits que transmitía el MTV USA original, un año antes que derribaran del aire toda su hasta entonces variada programación musical.
Una de las razones por la que a la música pop de los 70's se la tiene en el adorado pedestal de la nostalgia es por cierta magia que las grabaciones adquirían cuando los productores decidían que el resultado había de demostrar una riqueza entre voces, experimentos y reproducción de efectos sonoros en multi pistas, puliéndolo todo, sacando brillo al sonido de la guitarra más fuerte así como haciendo que la voz forme parte de una unidad sin opacar los detalles de los arreglos musicales. Los chicos de la banda Boston hicieron de esto su marca y lanzaron, después de pulirse y reorganizarse varias veces, su homónimo album debut en 1976, que rápidamente se convertiría en el más grande disco debut de la historia en los Estados Unidos.
"It's more than a feeling (more than a feeling) When I hear that old song they used to play And I begin dreaming (more than a feeling) 'Til I see Mary Ann waliking away..."
La canción que impulsó el inesperado éxito masivo de Boston, "More Than A Feeling" representa de manera excelente el prototipo de 'classic rock' setentero con armonía de sobra como para 3 diferentes canciones, guitarra rítmica, y el elemento infaltable de la poderosa voz rockera que en este caso mucho más que en otros alcanza unos aguditos como para romper la luna. Afortunadamente la garganta de Brad Delp sobrevivió la década de los 70's y pudieron continuar una carrera que tuvo que superar disputas legales, riñas entre Tom Scholz el fundador de Boston y personal que los manejaba, provocando una obligada ausencia de más de una década en el ojo público. Felizmente las regalías del debut homónimo fueron lo suficiente para sobrevivir, ya que "Boston" de 1976 supera a la fecha los 17 millones de discos vendidos sono en EEUU. Es otra clásica de "Disco Club" que también tuvo la suerte de ser bien difundida en las radios aquí en Lima, Perú y siempre me llenó de felicidad escucharla. Scholz cita el tema "Walk Away Renee" de The Left Banke como inspiración, y si escuchamos más detenidamente el riff principal de "More Than A Feeling" encontraremos una interesante fuente inspiradora a su vez de "Smells Like Teen Spirit" de Nirvana.
Un ausente total en la colección de discos que ya habitaba mi casa antes que apareciera yo en esta vida es Leo Dan, sabe el cielo por qué. Creo que quedó por ahí perdido en el olvido entre la mayor apreciación que tenía mis padres por otros cantantes hispanos como Julio Iglesias, Camilo Sesto o Raphael, a pesar del gusto de mi madre por el argentino nueva-olero. Con el tiempo y con radios limeñas exclusivamente dedicadas ahora a los clásicos en español de esa era, recién me di cuenta de lo masivo que este ahora señor calvito y barrigón con sonrisa inacabable llegó a tener en latinoamérica, compitiendo con la popularidad de los Beatles en algunos de nuestros países. Una que otra pasa piola en mi memoria pero "Mary Es Mi Amor" es la probablemente la única que a la que realmente le tengo cariño.
La mayoría de sus clásicas sesenteras me parecen demasiado simplonas y hechas en serie, me sacan un poco de quicio (aunque me siguen pareciendo mucho más escuchables que varias canciones de Maná por poner un ejemplo) sin embargo algo salva a Leo Dan en relación a cómo logra transmitir esa inocencia y convencinalismo al borde ya de lo absurdo que parece hasta una mofa del contexto naive del pop en general. Lo que sé es que su estrella sigue dando luz más de 40 años después de sus mayores hits y gracias al poder meloso pero melódico al fin de su repertorio es considerado un referente. Del disco "Con Los Brazos Cruzados" (1970) (de cuando aún era todo un simpático osito apapachable) se extrae "Mary Es Mi Amor" su más grande tema en la década en la que su dominio en los charts empezaría a descender, y en la cual al poco tiempo saldrían ya sus primeros compilatorios. Igual eh, al César lo que es del César. Si has llegado a tanta gente que tienes a artistas que van desde Olga Guillot hasta Café Tacuba haciendo covers de tus canciones, tienes algo especial.
U2, una de las bandas que en sus varias encarnaciones ha pasado del estruendoso e intenso rock político, la atrevida experimentación sonora y el reacomodo melódico de sus años maduros con altos y bajos y momentos WTF (what the fuck). Ésta canción podría encontrarse en esa dudosa categoría, tal vez mucho tenga que ver el vídeo, o la idea que quisieron imprimirle a su "Pop" el disco de 1997 que trajo como primer sencillo, este para mí, medio psicodélico cruce entre electro-disco con rock alternativo (con todo y coreo de los Village People), "Discotheque".
Inesperadamente cachosa y dispuesta a fusionar la era disco con la guitarras distorsionadas, "Discotheque" tenía algo fresco que ofrecer al pop de 1997, entre Puff Daddy y Sublime, U2 pudo mantenerse popular con algunos de los cortes del "Pop" que se rankeó bastante bien ese año aunque sus ventas en total son las más bajas en la historia del cuarteto. Un sonido saturado, con distorsión, reverberación y efectos sonoros llevados a lo caótico, parece ser que la banda se apuró en terminar de producir algunas de estas canciones y por ello con los años han aparecido muevos mixes, aunque siempre me quedaré con el factor sorpresa y el fallido intento de clasificar este single de U2 en un formato musical único.
Destiny's Child, uno de mis grupos femeninos favoritos (sobre todo cuando se trataba del cuarteto original) se tomaba un buen descanso de la luz pública en el 2002 dando paso al lanzamiento oficial de su principal estrella en ascenso: Beyonce Knowles. Acompañada de uno de los raperos más famosos y talentosos de fines de los 90's y principios de los 00's, Jay-Z y sobre la base de ciertos trocitos, en especial la sección de trompetas del tema "Are You My Woman (Tell Me So)" de los Chi-Lites (sí, los de "Oh Girl" y "Have You Seen Her") combinando la arrasadora fuerza vocal de la intérprete con el instantáneo enganche retro setentero funk del sample en cuestión, provocando un sismo en el 2003 con la canción que empezaría la nueva historia solista e ícono musical de Beyonce.
Beyonce tuvo reparos en grabar "Crazy In Love" una vez que escuchó el demo de Rich Harrison, el productor del tema, por la simple razón de que el sample de trompetas le parecía anticuado, pero ese sample fue precisamente lo que más me llamó la atención inicialmente de esta canción...¡Qué salvaje y funky me suena! Me dije mientras la escuchaba por primera vez, dándome cuenta de que no había otra canción que sonara así en esos momentos en los medios. Jay-Z puso su verso, Beyonce colaboró con la letra y tuvimos el single más estruendoso del año, logrando recortar a la cantante de la fotografía mental que todos teníamos de las Destiny's Child para ascenderla a la innegable promesa del r&b/pop. Como era de esperarse estuvo una cantidad de tiempo impresionante en los primeros puestos de los listados mundiales incluyendo 8 semanas en EEUU según Billboard. La transición que se da esta canción de los versos a puro pulmón sobre percusión funk con los coros un tanto más dance pop la convierten en un producto sumamente adictivo pero memorable. Por cierto, hasta los de la revista Rolling Stone colocaron "Crazy In Love" en su ranking de las 500 más grandiosas canciones de todos los tiempos en el lugar #118.
Fue en el programa de Gerardo Manuel, "Disco Club", en donde conocí y vi el vídeo de "Money" cuando aún no había llegado la década de los 90's si no me equivoco. Una canción como esa con un clip como el que verán aquí más abajo, a la tierna edad de...entre los 11 a los 13... me dio un poco de miedito, pero el compás movido de este rock progresivo me atrajo. Años después recién investigaría más sobre las creaciones de Pink Floyd y su singular paso por el mundo de la psicodelia y el rock progresivo hasta el pop y etapa medio new age posterior, pero subrayando "Money" como una de mis favoritas.
Desde uno de los discos más icónicos y famosos de todos los tiempos, el "Dark Side Of The Moon" ('El Lado Oscuro de la Luna') sale "Money", la primera pista musical del lado 2 del vinilo original. Buena parte del 'lado oscuro' de este disco fue influenciado por la enfermedad mental del otrora líder de la banda, Syd Barrett, quien fue separado años atrás y cuya ausencia se transformó en curiosa presencia musical, en los temas que dan forma a la ruta musical que Roger Waters, David Gilmour y compañía tomaron para expresarse y diseñar este coloso del rock progresivo de los 70's. Una de las principales atracciones para mi de este Pink Floyd setentero y de "Money" en especial, es el uso de ciertos fragmentos sonoros que se repiten una y otra vez en secuencia (loops) efectos de sonido, en este caso, cajas registradoras, dinero en monedas, la creación de una atmósfera que pasa de lo grandioso a lo íntimo en forma de rock y blues rítmico especialmente esa coqueta línea de bajo que dirige toda la canción. Una de las pocas canciones del grupo en ser exitosa como single, el primero que lanzaban en 5 años, llegando al #13 en la lista Hot 100 de la Billboard en 1973, claro que no se compara al suceso de estos chicos en el ranking de albumes, en donde "Dark Side" fue 1er lugar completando una estadía de, agárrense, 741 semanas en el ranking de los 200 más vendidos en USA, con ventas que sólo allí pasan los 15 millones, suponiendo que 1 de cada 14 personas menores de 50 años tiene o ha tenido una copia. Se estima, además que a nivel mundial se han vendido unas 50 millones de copias. "Money"?
Zhané es un dúo femenino que revivió la estética y sentimiento más elegante de la música disco de manera única en los 90's. Podríamos hasta decir que le devolvió el soul a lo dance.Y con pocas canciones, lamentablemente, pero muy acertadamente discotequeras y centradas en el rhythm and blues y un estilo sugerente y super cool del hip hop. En 1994 y luego del suceso de "Hey Mr, D.J.", aquí les comparto esta "Groove Thang", enfatizando aún más el ritmo suave y el tono relax de su primer hit, pero igual atrayéndote a la pista de baile como debe ser.
El estilo de producción musical, más adulto en cierta forma, coqueteando con una parte más retro soul que hip hop creo que dio a Zhané un espacio natural en los formatos rítmicos y pop que el 'American Top 40' basado en el formato top 40 mainstream norteamericano daba cabida en lugar de los éxitos más intensos y agresivos del rap de la época. Gracias a esto felizmente pude grabarla en cassette en su momento, algo que me salvaba en parte de no contar con casi nada del r&b/hip hop que reventaba en ventas por ser considerado no muy apto para las audiencias pop que el AT40 registraba. "Groove Thang" fue el 2do sencillo del dúo desde su disco "Pronounced Jah-Nay", como para que no haya confusiones a la hora de decir el nombrecito.
