Henry Mancini and His Orchestra - The Pink Panther Theme (1964)

Ahora es momento de compartir algo del maestro de maestros Henry Mancini, uno de los directores de orquesta más merecidamente populares y premiados cuyo inmenso catálogo de clásicos instrumentales incluye "Moon River", "Days Of Wine And Roses" y "The Peter Gunn Theme". La siguiente es una canción que a modo jazzeado se metió en los charts pop y por siempre en nuestros subconscientes. grabada en 1963, nominada a un Oscar y ganadora de 3 Grammys, otra que siempre me ha acompañado desde la chiquititud, "The Pink Panther Theme".



                   



  Versión originald del 45rpm:

                          




La maravillosa y graciosísima Pantera Rosa fue un cómico dibujo animado cuyo paso por el showbiz incluyó la televisión y el cine, y claro tenía que tener su propia canción. En 1964 llegó a ser Top 10 en las 100 de Billboard y fue utilizada en casi todo lo referente a la Pantera Rosa en cuanto a sus episodios en televisión y las películas en las que salió su nombre. Hasta en el sketch de "Los Caquitos" de Chespirito y compañía se utilizaba el temita, que con su curioso arreglo de saxofón (tenor y soprano), trompeta y clarinete son una delicia servida para los oídos en el breve espacio de 2 minutos 45 segundos. Covers y reversiones relacionadas con las notas musicales características del "Pink Panther Theme" se han distribuido por todo el mundo incluyendo curiosidades dignas de mencionarse en Argentina, como por ejemplo un album entero dirigido al público infantil con composiciones de Lalo Fransen y Palito Ortega en 1975 llamado "A Cantar Con La Pantera Rosa" con la inclusión del tema original de Mancini, y hasta un cover del 2003 en versión tango por el Cuarteto Almagro y titulado "Pantera Tanguera". Vaya!

Gloria Gaynor - I Will Survive (1979)

El sólo empezar a agrupar todas las ideas y recuerdos que implican esta canción me hace disfrutar de una carcajada interna y una una ligera sensación algo rochosa.

Tal vez deba dividir por etapas las diferentes fases por las que "I Will Survive" ha atravezado en mi vida:

Fase 1 : de 0 a 10 años.- Una bonita canción, aunque medio anticucha en sonido, pero linda, aunque un poquito muy 'dramática' y algo plana en cuanto a arreglos musicales (sí a los 10 ya me expresaba así de las canciones)

Fase 2 : 11 a 17 años.- Un clásico de la música disco, una inmortal del género y por alguna razón clásico 'gay'. Estaba a punto de descubrir por qué.

Fase 3 : 18 a 20 años.- La canción que me ayudó a salir del closet. En 1998 a inicios del año, fui a ver una película llamada "In And Out" ('Es o No Es') con Kevin Kline de protagonista, lo cual ya me era razón válida para querer verla pero lo que me jaló definitivamente fue que interpretaba a un profesor de literatura que es señalado como homosexual por un ex alumno suyo que lo saca del closet a manera de agradecimiento por su reciente premio Oscar. Se arma el alboroto y luego de negarlo en todos los idiomas y hasta tomar un cursillo de 'masculinidad' hay una escena de lo más estereotipada en donde el protagonista no pudo pasar la última y más ineludible prueba de todo macho que se respeta : reprimirse de bailar "I Will Survive" por Gloria Gaynor.



                 


Y el personaje de Kline, el profe querido por sus alumnos y acosado por un periodista gay (Tom Selleck) sale del armario el día de su boda, y a pesar de la negativa del director del colegio, es honrado en masa por sus alumnos por su valentía. Y a mí eso me quedó grabado en el alma. Me dije, hey, no quiero llegar a la base 4 y quizá usar una 'pantalla' y menos negarme a mí mismo mi propia libertad...no no no!! Así que del cine corrí a casa, subí a mi cuarto y la primera canción que puse en mi radio-casetera fue "I Will Survive". Al ratito hablé con mi familia. Y al año siguiente empecé a ir al Mhol (no es un centro comercia, es el Movimiento Homosexual de Lima, por siaca).
La historia de que "I Will Survive" (escrita por el reconocido Freddie Perren) fue primero lado B del sencillo "Substitute" es harto conocida, de que los DJ's dieron difusión al lado B y se volvió una bomba en los charts, también. Lo que es más bien lamentable es que Gloria Gaynor nunca haya podido hacer otro tema que llegue a 1/20 del éxito y permanencia de su canción emblema, versionada por medio planeta tierra desde Antony & The Johnsons pasando por Celia Cruz y los chicos de Glee, pero reinventada realmente en dos ocasiones, ambas en los 90's, la versión hip hop/r&b de Chantay Savage (una recurrente en mi playlist) y la alpinchista y casi cómica rendición rock-alternativa de Cake.
Creo que desde el momento en el cual entré a socializar con mis pares gays, se ha mantenido mi relación disfrute/hastío con respecto a esta canción, ya rechifladamente usada en vídeos cómicos, marchas del orgullo y performances de todo vuelo y nivel kitsch. Sin duda alguna, un respetado himno de liberación por mujeres, negros, latinos, L(esbianas)G(ays)B(isexuales)T(rans)'s del mundo, y cualquier persona con un corazón con cicatrices y una debilidad por la música disco cantada por 'diva' (si es negra o con tonito vocal medio nasal y con poderosos pulmones, mejor) es susceptible de emocionarse con el contundente delivery vocal de Gaynor, nunca antes (de 1978) registrado con tal rango emotivo en vinilo y a la postre imposible de superar en sus siguientes lanzamientos musicales. Donna Summer era una diva más pop mientras que Gaynor era más disco-céntrica y ha tenido que resolver mil y un formas de no aburrirse cantando su único #1 en el Hot 100 Billboard una, y otra, y otra vez alrededor del globo, desde 1979 hasta la fecha.

Das EFX - Freakit (1993)

Otro recuerdo total de la adolescencia que representan la etapa más hip hopera de mi vida, la que me traía loco por los sonidos alucinógenos, las percusiones animales y las poderosas o divertidas rimas que salían de algunos de los más irreverentes y experimentales éxitos del género en los 90's. Un grupo que ascendió a la popularidad brevemente dejando su zona de comfort underground entre 1992 y 1995 y aquí recordaré una favorita que conocí a través del canal 33 UHF, que se atrevía a tenerlos de vez en cuando en su programación y que también alcancé a grabar de un cd variado que un amigo me prestó en 1994: "Freakit".



                    



"Freakit" perteneciente al album "Straight Up Sewaside" (1993) es una de las más ponedoras canciones de rap que escuché en los 90's. La producción se entrega totalmente a destacar el bombazo per beat que domina en la percusión, aquel sample genial de trompeta que se repite en los coros de la canción, y por supuesto el delivery rapeado lleno de un vocabulario humorístico y con palabras recreadas en la jerga particular del grupo. Primero alcancé a atrapar el audio en la cassetera 'National' pegada como siempre al parlante de la tele cuando canal 33 la pasaba y tiempo después gracias a un amigo y un cd de música variada, ya la tuve en estereo. Los influyentes Das EFX regresarán en otro momento a mi SOUNDtrack, mientras, déjense llevar por el estruendo de "Freakit"!

Carpenters - Calling Occupants Of Interplanetary Craft (The Recognized Anthem Of World Contact Day) (1977)

Nuevamente un cover de los Carpenters, pues el oficio del dúo sin duda reversionar para las masas algunas canciones que Richard Carpenter consideraba que podrían ser convertidas al estilo Carpenter, a veces extremadamente cuidado e 'inofensivo' (como si los artistas tuvieran que ir a combatir a la guerra) y en este caso se metieron con un tema original de la banda Klaatu grabado tan solo un año antes y llamado "Calling Occupants Of Interplanetary Craft (The Recognized Anthem Of World Contact Day)". Una grabación casi experimental para los estándares del adulto contemporáneo de Richard y Karen.



                    



  Versiòn completa :

                    



Con Karen y Richard Carpenter anunciando un jingle de la ficticia "All Hit Radio" y la voz de un gran amigo del dúo Tony Peluso como el atorrante DJ que sigue hablando como a través de la línea telefónica con el extraterrestre como si de un oyente cualquiera se tratara y respondiendo como si el mensaje "We are observing your earth" fuese el título de alguna canción desconocida para su estación radial, empieza "Calling Occupants Of Interplanetary Craft" un tema que se basa en la historia real alguna vez publicada en un libro sobre los miembros de una 'Organización internacional del platillo volador' que fueron instruidos para en determinado día y hora se comunicaran telepáticamente con posibles visitantes del espacio exterior, mensaje que empezaba con la frase "Llamando a los ocupantes de la nave interplanetaria" de allí el título que Klaatu dio a su canción. Una canción rara, difícil de entender cuando uno es más chiquillo, creo incluso que nunca la escuché completa cuando niño sino hasta pasada la adolescencia y menos podía entonces considerarla una favorita. El subtítulo "The Recognized Anthem Of World Contact Day", eso sí no sé de qué lugar o mente fumada habrá salido.

Stone Temple Pilots - Pretty Penny (1994)

Según el vocalista de los Stone Temple Pilots, Scott Weiland, esta canción de su segundo disco "Purple" iba a ser o amada u odiada por la gente. Yo estoy dentro del grupo de los que la aman, por su tono introspectivo, acústico, detalladamente melódico y lleno de la emotividad de un Weiland atrapado en puras metáforas con respecto a la sensación de soledad y su adicción a las drogas y de alguna manera pidiendo auxilio a través de su creación musical titulada "Pretty Penny".

 
  Presentación en vivo (antes de lanzar el sencillo promocional) en los MTV Video Music Awards de 1994 :
                  



  Versión en studio :

                  

"Gone
When you wake in the morning
Gone
When you find that there's no one sleeping
Gone
Pretty Penny was her name
She was loved and we all will miss her"


Si bien no entendía ni papa de lo que decía la letra de "Pretty Penny" (podía tratarse de una chica, la búsqueda de alguna cosa valiosa pero difícil de encontrar, un relato sobre frustraciones personales), esta canción tiene una grata sensibilidad y arreglos musicales muy precisos y sobrios que marcan una distancia con las demás canciones del album "Purple" de 1994. Un disco bastante famosito entre algunos de mis compañeros de cole, que habían seleccionado a los STP como sus mini héroes junto con Alice In Chains, Nirvana, Soundgarden y Pearl Jam a mitad de los 90's. Lindo acompañamiento de guitarras, pandereta y voces en armonía del grupo, en una canción que Scott Weiland ha declarado ser uno de sus intentos de probarse a sí mismo que no era drogadicto. Los intentos por descifrar su letra seguirán y "Pretty Penny" seguirá en mi recuerdo y en mi equipo de sonido.

Juice Newton - Angel Of The Morning (1981)

Siendo super fiel a la primera versión exitosa de "Angel Of The Morning", interpretada en 1968 por Merrilee Rush y #7 en el ranking Billboard aquel año, Juice Newton se queda probablemente con el premio a la rendición más memorable desde entonces, de entre muchas más que han aparecido con los años. Una composición de Chip Taylor, quien también compuso la atrevida "Wild Thing", éxito de The Troggs, esta vez relatando el sentimiento después de, a la mañana siguiente de ustedes ya saben qué, y desde el punto de vista de una mujer lista para asumir el día, incluso si a su amante ya no lo vuelve a ver después.



                 



 Primera versión exitosa en voz de Merrilee Rush (1968):
                 




Desde el disco "Juice", el inicio del gran éxito masivo de Newton empezó con "Angel Of The Morning" que en los años 60's ya había causado cierta controversia por su tema no muy convencional en donde una mujer abraza todas las posibilidades de ver o no otra vez al amante con quien pasó la noche, despertando a la noción de que quizá lo extrañe o quizá sólo le quede el buen recuerdo. Por todo esto, la oferta de cantar esta canción fue rechazada por Connie Francis, mientras que otras artistas grabaron sus versiones pero no alcanzaron repercusión hasta que la cantante Merrilee Rush quien lideraba una agrupación llamada The Turnabouts desde 1965 grabó "Angel Of The Morning" llegando a ser un éxito internacional en 1968. Evidentemente es su interpretación la base de la versión de Juice Newton, quien puso sus pulmones a prueba y expandió el dramatismo del tema en 1981, logrando sonar muchísimo en Perú, quedando como favorita hasta ahora en los programas de 'oldies'.

The Roots feat. Erykah Badu - You Got Me (1999)

Una canción que cuenta al detalle los pequeños grandes problemas que pueden acontecer en la relación sentimental entre un artista con cierta fama y una persona de aspiraciones más comunes y corrientes, interpretada por la banda de músicos de hip hop The Roots, la participación especial de Eve y los coros de Erykah Badu complementándose en un delicioso postre r&b, servido con mucha alma y además promocionado con un vídeo conmovedor y sorprendente. Aquí "You Got Me":



                   



"If you were worried 'bout where
I been or who I saw or
What club I went to with my homies
Baby don't worry you know that you got me"


El tipo de hip hop que los amantes de la 'vieja escuela' pueden ser capaces de apreciar y me refiero en general a la vieja escuela fans y de ejecutores del rock and roll como gran rubro musical que abarca muchas ramificaciones desde el electro hasta el metal y el rap, y con The Roots (por algo se llaman 'Las Raíces') en este sentido no hay pierde pues realmente es una banda, como se ve en el clip, que gusta de hacer hip hop con instrumentación tradicional en lugar de sintetizadores o únicamente samples. Han tenido muchos albumes reconocidos por la crítica especializada y desde el 2009 lograron un contrato con el comediante Jimmy Fallon para ser la banda residente en su show "Late Night with Jimmy Fallon". En los premios Grammy #42, The Roots ganaron en la categoría de 'mejor performace de rap por un dúo o grupo' con este fantástico "You Got Me".

Stevie Wonder - Part-Time Lover (1985)

Es probablemente una de las canciones más internacionalmente famosas del genio Stevie, una de sus últimas bien rankeadas y a pesar que no es precisamente un ejemplo de la innovación y espectacular musicalidad características del trabajo setentero de su creador, salta a la vista (o al oído) que Stevie Wonder queriendo hacer una divertida canción bailable enfundada en típicos sintetizadores recontra eighties igual es capaz de producir un clásico que en su momento añadió otro 1er lugar a su larguísimo record de hits.



                 



'Amante A Medias' era la dudosa traducción otorgada por la mayoría de nuestro dj's en Perú en la época en que este sencillo era popularísimo, aunque me parece que "Amante A Medio Tiempo" está mucho más cercano al significado del título original. Como sea, era bien 'particular' tener a Stevie Wonder cantando sobre relaciones de pareja en las cuales el hombre parece ser quien hace gala de ser un buen 'jugador' logrando que su mujer aparentemente no se entere de sus escapadas, cuando al final, tarde se da cuenta el pata que la chica está haciendo exactamente lo mismo. Una de las partes más atrayentes de la canción es el scat (juegos vocales que no intentan pronunciar palabra alguna y van al ritmo de la música) que hace Wonder a modo de coro entre los versos y en un extendido final que no suele escucharse en la radio, pues la versión 'radio edit' la corta, y es por eso que amo la versión completa del album, que es la que escuchamos aquí también en el vídeoclip donde este tarareo y fraseo dura varios segundos más incluso con una breve participación de la voz de Luther Vandross apoyando y mezclándose casi sin que se pueda notar junto con la de Stevie.

José José - Amar Y Querer (1977)

Con un tema clásico para los románticos que adoran las frases hechas y las rimas fatalistas, los amantes de la balada en español de los 70's tenían como rey, o como príncipe, mejor dicho, al gran ícono de entre los íconos del sufrimiento hecho canción. Algunas me parecen más escuchables que otras, como ésta de su 11avo disco en estudio "Reencuentro" de 1977, el clásico "Amar Y Querer" que muy a parte de lo impresionante de la voz de José José, pretende hacer un estudio relámpago de la psicología contrastante entre aquel que la pasa mostro siempre (el que quiere, dicen) y el que es capaz de sacrificarse en la cruz por su otra mitad (el que ama, dicen).



                   



Manuel Alejandro y Ana Magdalena, esposos ellos, firmaron como autores de "Amar y Querer", una de las más aclamadas grabaciones de José José. Alejandro contribuyó con varias más del cantante mexicano como "El Amor Acaba", "Voy A Llenarte Toda", "He Renunciado A Ti" y "Lo Dudo" entre otras, siendo muy importante en la etapa ochentera de su carrera (y también en consolidar su estatus como intérprete máximo del amor mártir). A estas alturas, personalmente, dudo que sea recomendable dividir a los amantes o parejas sentimentales entre quienes supuestamente 'solo se divierten con uno' y los que 'te quieren más que a su propia vida', pues son ambas cosas al final extremos que quizá ya una persona como yo prefiere mantenerse alejado de, pero la canción sigue sonando muy bien, más de 30 años después, y es una bella oportunidad para volver a encontrarse con la voz que alguna vez fue, la #1 del pop en México (y Latinoamérica).

Cypress Hill - How I Could Just Kill A Man (1991)

Primero me enamoré de una versión en vivo que estos representantes del mestizaje del hip hop en los 90's presentaron en el festival de Woodstock '94, una que obviamente no escuché en la radio peruana pero conocí gracias a una grabación que pagué en una tienda de discos del emblemático centro comercial de 'Polvos Rosados' de Surco. Era mi propina de la semana en esos tiempos pues! Bueno, años después conocería la versión original que los Cypress Hill lanzaron en 1991 como single debut, uno de los más aclamados debuts de rap de los 90's "How I Could Just Kill A Man".



                   




Puesto en el mercado junto con otra buena canción del grupo, "The Phuncky Feel One", estos dos ahora clásicos del género aparecieron originalmente en el disco homónimo "Cypress Hill" y fueron el aperitivo de lo que se venía para la banda en sólo un par de años. Con el sonido poderoso de una percusión que siempre logra romper parlantes, letras en inglés con algo de español por ahí jugando con ambas audiencias aún tímidamente, "How I Could Just Kill A Man" era una muestra de rap (y Cypress Hill en general) que por su rebeldía, actitud agresiva y sonidos dark podía agradar a un público más rockero tanto angloparlante como latino. Muestra de ello, mis amigos del cole, (por pura pose o por lo que fuere) que puede que no tuvieran interés en LL Cool J o Tone Loc, pero los Cypress si eran bienvenidos.

Michael Jackson - P.Y.T. (Pretty Young Thing) (1983)

Lanzada como 6to sencillo del coloso "Thriller" en la semana de mi cumpleaños número 4, (y recuerdo cuando el Long Play edición nacional estaba aún como nuevo en la sala de mi casa) P.Y.T. (Pretty Young Thing) era una canción que entonces me parecía muy divertida por ese sonido fiestero, bailable, graciosamente animado, con efectitos medio robóticos en los coritos cortesía de la producción impecable de Quincy Jones...y claro está, Michael Jackson quien no da tregua ni deja de lado detalle alguno de sus pequeñas acrobacias y travesuras vocales.



                 



Del disco que contaba con una canción para cada estilo fusionado con el r&b que te gustase, "Thriller", "P.Y.T." era una canción con intenciones algo retro dentro de todo, pues la música disco ya había sido desterrada (sobre todo en EEUU) y el sonido sexy/juerguero parece ir más de la mano con el espíritu del "Off The Wall" (1979). Aquí hasta hay un breve segmento de llamado y respuesta entre Michael y unos coros femeninos ("Pretty young things, repeat after me, sing na na na na / Na na na na...") en donde participan tanto Janet como LaToya Jackson. "P.Y.T. (Pretty Young Thing)" compuesta por Qincy Jones y el excelente vocalista James Ingram (futuros posts llegarán...) subió hasta la posición #10 en el Hot 100 Billboard en 1983 y ha sido reactualizada junto con will.i.am de los Black Eyed Peas para la edición 25 aniversario del "Thriller", así como sampleada en el 2003 por el rapero Menphis Bleek y hecha cover por los chicos de Glee en el episodio titulado "Silly Love Songs".

Culture Beat - Mr. Vain (1993)

Para la época del eurodance (conocido aquí en el Perú como 'música techno) Studio 92 fue la radio que imponía los éxitos y muchas veces les empezaba a dar difusión antes que se volvieran hits totales. Tanto así que pasaron meses de escuchar esta canción primero en Studio 92 antes de que fuera 1er lugar en Europa y luego top 20 en los EEUU. Dos versiones ligeramente distintas (la del album y la 'radio edit' del single y vídeo) fueron las que sonaron en Europa, USA y Perú, para mí el radio edit es el preferido, así que a recordar uno de los tecnazos (típico dialecto radial noventero) de la historia con los alemanes Culture Beat.



                    




Si bien no era mi tipo de música, el eurodance tuvo momentos interesantes, muy aparte de sus éxitos más comerciales. 'Señor Vanidad', uno de los temas que sigue gustándome debido a que melódicamente mantiene su presencia, porque el 'diálogo' entre rapero y vocalista femenina tiene sentido y expresa bien el significado y la intención de la canción, que no es otra que la de un hombre autoproclamado rey del sexo que toma, disfruta y descarta cuanta mujer le plazca ("I know what I want and I want it now/I want you 'cause I'm Mr. Vain"). Primer lugar en 1993 en el ranking anual de Europa, "Mr. Vain" interpretada por Tania Evans en la voz de los coros y Jay Supreme en el rap fue una que tomó su tiempo en gustarme, la tengo aún en algún cassette sony del '93 grabada de radio, y como para no olvidarme de su historia, en ese cassette grabé 2 veces la canción, la versión del "American Top 40" encima de buena parte de la versión del album que transmitía Studio 92, grabadas ambas de radio pero de manera que suenan unidas como si fuese un mix distinto. Ohh, mis inicios de DJ!

Bee Gees - I've Gotta Get A Message To You (1968)

Pero miren nada más la pinta de los hermanos Gibb (nótese especialmente lo hermoso que se ve Barry Gibb de inusual cabello corto aquí) en este clip promo de "I've Gotta Get A Message To You", tema que se inspira en la idea de un hombre sentenciado a muerte por haber matado al amante de su esposa, y antes de que lo ejecuten pide al capellán que lo acompaña el favor de enviar un último mensaje a su aún mujer amada. Trágicos se pusieron los hermanos Gibb en su segundo número 1 en el Reino Unido y primer Top 10 en los Estados Unidos...



                    




La sensibilidad romántica es uno de los principales ingredientes de la fórmula Gibb las varias décadas de carrera musical que tienen, y el melodrama fue parte esencial de varias de sus canciones de los últimos años de los 60's, evidente en temas como "New York Mining Disaster 1941", "Every Day I Have To Cry" o "I Started A Joke" y para este "I've Gotta Get A Message To You", Robin Gibb escribió la letra luego de una pelea en la vida real con su esposa, logrando dar vida a una de las canciones más recordadas no solo por los fans de los Bee Gees sino también una de las preferidas por el mismo grupo, casi infaltable en cualquier concierto. En la radio peruana la escuché muy poco, creo que en los años 90's a finales posiblemente Telestéreo le dio rotación y recién le presté atención, pero fue cuando en el año 2001 me compré un maravilloso disco doble donde aprecié mucho mejor varias de las primerísimas canciones exitosas del grupo y esta quedó entre mis favoritas para siempre.

En Vogue - Giving Him Something He Can Feel (1992)

En la música popular es definitivamente un lujo haber tenido a En Vogue en los años 90's. Aunque en lo personal hubiera deseado tanto seguir escuchando más éxitos de estas reales divas de la interpretación soul, pero una de sus integrantes, Dawn Robinson decidió dejar el cuarteto en 1997 para intentarlo en solitario, sin mayor repercusión. Aquí una versión de 1992 de un tema original de la banda sonora de "Sparkle" en 1976 interpretada por Lonette McKee en la peli y editada en single por Aretha Franklin, mi versión favorita de todas con En Vogue, "Giving Him Something He Can Feel".



                 



Esta canción fue parte de la dominación de los charts en 1992 y 1993 por En Vogue y por ende del "American Top 40" que se volvió el programa de radio más importante de mi vida sobre todo a inicios de los 90's con el rhythm and blues el hip hop y el soul reinando en armonía con producciones que priorizaban el talento para la melodía tanto en la interpretación como en la producción musical. "Giving Him Something He Can Feel", con un estilo y atmósfera sonora como en los 50's/60's, haciendo honores al feeling de las versiones de McKee y Franklin, Cindy, Terry, Dawn y Maxine personifican al 'girl group' perfecto, apoyando la aquí voz principal de Dawn, aunque algunos dirán y estoy de acuerdo, esta versión es contenida en comparación con la de Aretha Franklin, siento que la intención de En Vogue iba más por el lado la seducción pero a la vez dejándote con todas las ganas, mantenerse sexy, candente, invitante, dar probaditas a la audiencia, y aún conservar alguito de distancia, pero qué manera de dar guiños y qué manera de dejar huella. Y algo que casi se me escapaba, "Something..." fue compuesta por un hombre, el incomparable Curtis Mayfield.

Men At Work - Who Can It Be Now? (1982)

Saxo. El gran protagonista de esta canción y de muchas más en los pomposos 80's. Sólo que felizmente en esta canción el sonido transformador del saxofón es parte integral de la estructura e identidad de toda la grabación. "Who Can It Be Now?" el primer gran suceso de los australianos más 'cool' de la década, Men At Work, era la primera pista musical del gran disco debut de la banda titulado "Business As Usual" que era todo un éxito en la sala de mi casa, con su rock melódico y con su carátula dibujada y con un brutal color amarillo de fondo.



                   



"All I wish is to be alone
Stay away, don't you invade my home
Best off if you hang outside
Don't come in, I'll only run and hide"


No quiero a nadie! Déjenme solito y en paz con mis amigos imaginarios, mis manías y mi necesidad de estar entre cuatro paredes para descansar tranquilo de mis fantasmas de paranoia. Algo por ahí es lo que el escocés de nacimiento y líder de Men At Work, Colin Hay, nos canta en "Who Can It Be Now?" canción que tantas veces he escuchado desde que tengo uso de razón que reconocería desde metros de distancia aún si sonara solo la mitad del primer segundo de su batería introductoria, batería por cierto fiera y genialmente puesta de la mano con la melodía del saxo de modo que sirven como el carril de soporte de toda la canción. #1 en 1982 en EEUU en donde fue lanzada un año después que en Australia, es una de las más reconocibles canciones no sólo de ese año sino de toda la década a nivel internacional.

8Ball & MJG feat. Shannon Jones - Straight Cadillac Pimpin' (2004)

2003 y 2004 fueron un par de excelentes años para revitalizar mi ranking personal, gracias a que tuve mejores posibilidades de bajar archivos mp3 (más dinero y más inteligente uso de los programas buscadores de archivos) coincidiendo además con la expansión y reproducción de propuestas sónicas más arriesgadas que en años anteriores sobre todo en el ámbito de la música hip hop. Un grupo del cual no había escuchado casi nada antes, tuvo rotación en algunos canales de cable ese año con esta canción, de mis 10 favoritas ese año:



                    



8Ball & MJG son un dúo de raperos underground, o sea, de aquellos que tratan de mantener una carrera musical sin apoyo radial masivo y que rara vez rankean en las listas de popularidad. Para el 2004, con varios albumes lanzados en los 90's y con una historia hecha en el hip hop sureño de los EEUU, lanzaron su placa llamada "Living Legends" que alcanzó disco de oro (3er album de la banda en hacerlo) y su máxima ubicación en el chart de albumes oficial en USA, el Billboard 200 (#3). Frenética, usando un coro gospel que funciona como loop dando vueltas durante casi toda la canción, "Straight Cadillac Pimpin'" con el coro en la voz riquísima de Shannon Jones, es una canción hecha para llenar todo el espacio en donde sea que suene. Fiesta asegurada!

The Beatles - And I Love Her (1964)

"And I Love Her". Empezando por el título, simple y directo, una canción producida a ritmo de una guitarra con personalidad y protagonismo, compás de bolero y en resumidas cuentas la confirmación de que Paul McCartney era el que dominaba el rango romántico beatle. Enamorando a la audiencia instantáneamente con un tema de la película "A Hard Day's Night", este hit Top 20 del cuarteto seguiría siendo reconocido como de las más hermosas melodías que estos chicos hicieron juntos.








"Bright are the stars that shine
Dark is the sky
I know this love of mine
Will never die
And I love her"

El puente de la canción (conocido en inglés por los términos 'bridge' o middle eight') fue cortesía de John Lennon, quien reconoció a este tema como el primer "Yesterday" de McCartney, autor del resto del tema.. Favorita de mi madre, creo que no hay persona cercana mayor que yo a la que no se la haya escuchado por lo menos tararear, este clásico fue lanzado como sencillo junto con "If I Fell" en junio de 1964, y con el tiempo confirmé que es una de las más queridas canciones del grupo aquí en Perú, aún hasta el día de hoy con alta rotación en las radios de recuerdos. Vale decir que el estilo atípico como de bolero o balada acústica en contraste con los previos sencillos de los Beatles (y los posteriores también) tiene que haber abierto muchas puertas en el mercado latino para lograr la inmensa aceptación de "And I Love Her" sin importar mucho los formatos o estilos de las radios pop, volviéndola más universal en su alcance.

Whitney Houston - Saving All My Love For You (1985)

En 1985 una joven que había hecho sus cosas en el modelaje pero que desde niña se imaginaba a sí misma en escenarios frente a un micrófono emocionando a todos con su voz, lograba hacer sonar sus primeros sencillos en la radio, la sutil "You Give Good Love" (#3 en EEUU) y su 1er #1, y a fines de ese año "Saving All My Love For You", una lección de canto cristalino y agudamente preciso en cada vocal y consonante pronunciada y proyectada finamente por una Whitney Houston de 21 años de edad.



                  



Regresar a escuchar "Saving All My Love For You" para mi es, digámoslo así, entrar en un pequeño y automático rito, casi como lo que los cristianos llaman orar. Algo similar me sucede por ejemplo cuando escucho "I'll Be There" o "Ben" de Michael Jackson, una sensación de respeto y emoción contenida que me brota y abruma al poder apreciar estas primeras grabaciones de dos de los artistas que más he querido y me han acompañado en mi niñez y adolescencia. Los dos renacen en nuestra memoria cada vez que un cantante trata de incorporar algún requiebre al cantar parecido al de Michael o pretende crear esa ola de voz que se lo lleva todo como la de Whitney, y nos vuelven a cantar en cada nueva oportunidad de reencuentro con sus clásicos. Sobra decir que hay mucho más que postear de Whitney en el futuro, y en este 2do tema favorito  que comparto aquí, se destaca la suave calma, jazzeada atmósfera, saxofón de por medio, de una historia de amor difícil y prohibido (Whitney ama aquí a un hombre casado y se aguanta las ganas de tenerlo mientras dice esperarlo y guardar su amor por él cuando sea el momento). Alguna vez este tema fue parte de un folleto que una amiga me dio a leer, utilizado como altisonante 'argumento' para clasificar a "Saving All My Love..." (originalmente una grabación de 1978 de los ex 5th Dimension, Marilyn McCoo y Billy Davis Jr.) dentro de las canciones cuasi satánicas de una guía evangélica sobre el cuidado que uno ha de tener para escuchar algunas canciones dentro del mundo del rock. Ya considerando esto, me supongo que hasta Topo Gigio habrá acumulado puntos suficientes para arder en el infierno.

Steam - Na Na Hey Hey Kiss Him Goodbye (1969)

El arreglista y productor Paul Leka, junto a músicos de studio y el vocalista Gary DeCarlo grabaron "Na Na Hey Hey Kiss Him Goodbye" bajo el nombre de Steam (una peculiar ocurrencia sólo para dar un nombre al productoq cuyos autores no quisieron identificar bajo sus nombres reales) como posible lado B de uno de sus sencillos en cronograma. De pronto un DJ en Georgia empezó a dar alta rotación a este 'lado B' y el resultado fue un #1 en 1969 que ha tenido un chupo de covers (en acapella, dance, rock y hip hop). Un One-Hit Wonder de oro!



                 




Cuando Studio 92 aún se podía jactar de tener una programación más o menos variada allá por inicios de los años 90's, este hiper pegajoso recuerdo sesentero sonaba dentro de sus ediciones de "Billboard Año por Año" conducidas por el locutor Juan Carlos Hurtado, si bien representando en esa radio un sonido algo extraño y lejano en comparación con muchos otros oldies que por ser infinitamente más difundidos (tipo "Reflections Of My Life" o "Year Of The Cat") no daban esa sensación de estar tan distantes en el tiempo en la percepción de la audiencia. Hay covers de Bananarama (#5 en Inglaterra  en 1983), The Belmonts (1970) y una brava versión acapella por los canadienses The Nylons en 1987 que alcanzó el #12 en USA, pero por algo me sigo quedando con esta versión original de los Steam, la juvenil y convincente participación vocal de DeCarlo muy bien acompañada por los incesantes beats de la pista rítmica, las panderetas, el omnipresente organito durante toda la grabación, el feliz y dulce xilófono...hasta las palmaditas que adornan y dan toque divertido a la muy sencillo corito de "na na na na, hey hey hey, goodbye..." pero tranquísima de sacar de la cabeza una vez enganchado.

Candyman - Knockin' Boots (1990)

Otro más de los maravillosos 'one hit wonders' del rap de principios de la década de los 90's, parte de una racha de canciones que se beneficiaron del nicho de audiencia que no se quería alejar tanto del pop pero sentía necesidad de acercarse a ese 'nuevo' sonido tan hipnotizante que lograba ya desde fines de los 80's expandir sus límites como género 'underground'. Candyman, así se puso como sobrenombre Candell Manson para engolosinarnos un ratito con la absoultamente relax y coqueta "Knockin' Boots".



                   



Aunque recién (y por fin) la conocí en el año 2004 bajando temas por internet con mi copia del 'Pop Singles 1990' de Billboard en mano, apenas empecé a escuchar la voz introductoria de el gran Tone Loc y el suave pero bailable ritmo que acompaña el estilo pop rap de Candyman, me sentí automáticamente transportado a el muy particular sonido rhythm and blues/rap/dance/pop de esa era en la cual yo era niño y no sabía que todo eso junto se denominaba new jack swing, pero que tuve la suerte de saber dónde escuchar y en qué horarios, por más exquisitos en determinadas radios y segmentos de televisión en Lima, Perú. "Knockin' Boots", producida por el mexicano Johnny J, luego productor de discos de 2Pac nada menos, haciendo un 'homenaje' a Betty Wright y a Rose Royce en los coros, fue uno de los temas de rap más exitosos de 1990 superando el disco de platino por más de 1 millón de sencillos vendidos.

The Troggs - Wild Thing (1966)

Una de aquellas canciones que desafiaba a las mentes pacatas y a los programadores de radio con temor de 'pasarse de la mano' con ciertos sectores de su audiencia. Un ejemplo de los experimentos del rock que se dieron en la así considerada 'década prodigiosa' por los que vivieron esos sorprendentes cambios de timón en la aún infante cultura pop, un cover de un tema que había pasado desapercibido el año anterior y cuyo potencial fue maximizado por The Troggs a la vez que minimizaban la forma de interpretar y grabar este "Wild Thing".



                  



 Versión completa:
                  




Sabe Dios en qué estación radial habré escuchado este tema por primera vez. O quizá fue en uno de los capítulos de la serie de tv "The Wonder Years" ("Los años maravillosos"), donde recuerdo perfectamente como utilizaron un buen trozo para una escena importante entre Kevin (el chibolo protagonista) y Wayne (su pesadísimo hermano mayor). Peculiar caso de una canción #1 en las listas pop con este tipo de guitarra sucia para el riff erótico de "Wild Thing", más una voz reveladoramente tosca y sexual que sin que muchos lo pudieran predecir en su momento, lograba un inesperado éxito masivo casi de la nada. La banda inglesa The Troggs le pusieron calle a la versión original grabada por el grupo neo-yorkino The Wild Ones en 1965 alcanzando un primer lugar instantáneo en los Estados Unidos y un #2 en Inglaterra. Y no fueron para nada 'one hit wonders', ellos rankearon algunos éxitos más en ambos lados del Atlántico y el último de ellos, "Love Is All Around" alcanzó el Top 10 en ambos países y muchísimas regalías a partir de 1994 cuando los escoceses Wet Wet Wet invadieron los primeros puestos de todo el mundo (incluída una estadía de 15 semanas en el #1 en el ranking británico). Los Troggs se separarían en 1969, para re-encontrarse muy poco después y seguir haciendo música, menos popular, pero igual bien recibida por sus fans. "Wild Thing...You make my heart sing", siempre me pareciste realmente salvaje y oscura de niño, y hasta ahora no han cambiado mucho mis sentimientos hacia ti!

Fernando Villalona - Carnaval (Baila En La Calle) (1985)

Para el carnaval dominicano de 1985, un compositor de nombre Luis 'El Terror' Díaz, con una sensibilidad rockera y tropical a la vez, creó este clásico merenguero que la rompió en la versión de Fernando Villalona, un héroe del ritmo tropical tipico dominicano como es el bendito merengue, con una larga trayectoria desde los primerísimos años 70's en su país natal consolidándolo como uno de los más respetados del género. Una que ha superado límites geográficos y temporales, "Carnaval" invita a toda Latinoamérica a la celebración!



                  



  Vídeoclip:
                 



Yo conocí parte de esta canción primero a través de un poutpurrí de Yola Polastry titulado "Merenyola" (1986) del Long Play "Yola A Todo Ritmo - Sabor A Miel" en el que la estrella infantil peruana juntaba hits del género merenguero como "Patacón Pisao" de Johnny Ventura, "El Pájaro Herido" de Fausto Rey, o "Abusadora" de Wilfrido Vargas y otras más con este gran "Carnaval (Baila En La Calle)" uno de los más reconocidos temas de Villalona, apodado 'El Mayimbé' o sea, algo así como lo máximo, el top, rey total en su rubro. De cuando estaba iniciando mi vida escolar, mitad de los 80's hasta días más recientes, esta canción ha sido revsitada por otros artistas y referenciada por ejemplo por Shakira en su "Hips Don't Lie" del 2006 y continúa su vida post ochentera como una de esas melodías capaz de reunir a generaciones antiguas con actuales que mueven sus cuerpos al son de un generoso merengue con letra de unión y celebración popular.

ABBA - Super Trouper (1980)

Mi cassette nacional de 'El Virrey' del "ABBA Gold", 1997 cuando me lo compré, pista ubicada en el lado A, "Super Trouper". Era la primera vez que escuchaba este tema, y aunque no me pareció nada del otro mundo en ese momento, la sentí simpática, quizá muy suavecita y adulto contemporánea para los estilos que más escuchaba ese año, un tanto muy a lo villancico. Pero, con el tiempo, nuevas versiones de otros artistan fueron apareciendo, pero la original ha logrado un aire de improbable clásico, como quien no quiere la cosa, llegando a mantenerse dentro de los éxitos del cuarteto como una de sus canciones más icónicas.



                  




Además de ser la que da título a uno de los mejores albumes, sino el mejor de la agrupación, (por lo menos el más coherente como conjunto y concepto musical completo) "Super Trouper" cuyo título hace referencia a esas luces gigantes que iluminan puntos precisos en los grandes escenarios de conciertos, es en verdad una interesante imagen mental como analogía del hecho de, desde el punto de vista de un artista, ver a alguien especial entre la multitud y sentir que sólo su presencia te ilumina y por quien eres capaz de seguir trabajando aunque ya no te resulte tan divertido y emocionante como antes, cosa que al parecer era el caso de ABBA para 1980, cansados de sólo viajar y viajar y habiendo perdido probablemente una de las principales motivaciones para continuar juntos (las dos relaciones de pareja se habían roto) cosa que se venía reflejando ya desde el disco "Voulez-Vous" del año anterior. Empezando casi como si fuera una ópera musical, dando paso a un ritmo y notas dignas de canción de cuna para luego ser Frida quien tome el protagonismo, "Super Trouper", el último #1 de los 9 que tuvo el grupo en Inglaterra, ha dejado huella sin duda, y la podemos disfrutar (dependiendo del gusto de cada quien) en versiones de gente como los A*Teens (teen pop), el grupo BNB (versión jazz/lounge), Mitchell Sigman (electrónica) o si prefieren, la agrupación Camera Obscura (versión indie pop).

George Harrison - Got My Mind Set On You (1988)

La original es un tema de r&b de 1962, interpretada por James Ray quien tuvo unos cuantos éxitos en los primeros años de los 60's. Les invito a conocer, como yo al iniciar este post, esta versión con mucha alma y carisma y sonido áspero y poderoso, pero volviendo al origen de mi publicación, aquí está el cover archi famoso hecho por el Beatle más místico y tranquilo de todos, George Harrison, lanzada en octubre de 1987 en su disco "Cloud Nine", el single que lo retornó a la popularidad masiva con su reinvención de "Got My Mind Set On You".
 



                   



Tengo harto feeling por esta canción porque es una de las que más recuerdo de los días de primaria, a la par con temas como "Walk Like An Egyptian" o "Lost In Emotion" (ambas de 1987, a ver adivinen los artistas jejeje) y entonces la idea de George Harrison no me era muy clara, hasta que entendí que perteneció alguna vez al grupo de grupos en el pop/rock, los Beatles. Para 1988, a esta canción las radios peruanas le daban duro en sus playlists, de las más populares en su momento tanto en radio como en vídeo (el segundo vídeoclip, el más popular, donde aparecen la ardilla y el jabalí) gracias a la producción rockera bailable con una percusión electrificante y la actitud más juvenil de Harrison en mucho tiempo, logrando que "Got My Mind Set On You" se volviera su 3er número 1 en los EEUU luego de más de 14 años de la última vez y barriendo con mucha parte de la competencia en su momento.

Björk - Bachelorette (1997)

A Björk hay que escucharla con oídos y mente abierta para poder ir por rincones musicales alternativos, para probar sabores distintos a los acostumbrados como resultado de cruces musicales dudosos y a veces disonantes, pero con todo lo inclasificable que muchas veces resulta su música, Björk resplandece cuando se entrega al alma melódica que florece desde su interior en canciones por ejemplo como esta grandiosa de su LP "Homogenic" siguiendo con la historia del personaje de Isobel y ayudada por el poeta islandés Sjon quien puso la letra en "Bachelorette".




                  




No estaba muy interesado en Björk en 1997, mi pasión iba muy centrada al r&b y al hip hop sobretodo porque me sentía impedido de acceder como yo hubiese querido a sus vídeos y canciones en radio y en televisión. MTV Latino sin embargo aún era una buena alternativa para los amantes de la cultura pop musical negra pero yo no tenía tv por cable pues, y recién empezaba a conocer amigos que sí tenían así que por ahí pude ver en la rotación cotidiana del canal musical a Björk, con más de uno de sus clips del "Homogenic" y el que más me flechó fue este festin de violines y cuerdas varias, timbales y acordión llamado "Bachelorette" con una Björk cantando en su versión si se quiere, más soul, a manera de continuación de la historia del personaje llamado Isobel (canción del disco "Post") que empezó según Björk con "Human Behavior" (del "Debut").

America - A Horse With No Name (1972)

Otra de las hermosas canciones de los 70's que fueron formando mi gusto musical desde muy niñito viene con este enorme éxito del soft rock llamado "A Horse With No Name" del trío inglés/estadounidense America, con un pulido y brillante sonido de guitarras en perfecto equilibrio con una vibrante mezcla de voces, una rara y dulce combinación que los llevó al tope de la popularidad a inicios de los 70's y a influir en diversos artistas futuros con ambiciones melódicas similares.



                  



Versión original :
       
                  




Y...el momento de desmitificar la canción para el público no anglo-parlante llega gracias a: 1) Los fans de Neil Young, quienes acusaron a America de copiar el sonido de su amado rockero que valgan verdades, hasta en el tono de voz de Dewey Bunnell, vocalista de la banda la influencia es por lo menos 'curiosa'. 2) Pasajes de la letra aparentemente tonta, pues "habían plantas, y aves, y piedras, y cosas" ("there were plants, and birds, and rocks, and things") o "el calor era caliente" ("the heat is hot") deberían tener una explicación con más sustento que la de 'estábamos intoxicados con cannabis' que dieron al comediante y músico Penn Jilette en una entrevista. Y con esto dicho, "A Horse With No Name" sigue a mis oídos, superando excelentemente bien el paso del tiempo, 4 décadas ya, y no por parecerse a Neil Young, sino por encontrar esa magia de armonía impecable y reflexión tranquila en las voces del entonces trío logrando que "Horse" (término utilizado como jerga para heroína) llevara ese sonido a su máximo momento de magia en las radios mundiales y en 1972 al #1 de los charts.

Daniela Romo - Pobre Secretaria (1983)

Un cantautor y un compositor/productor que ya tenían reconocimiento aunque en distintos mercados, Miguel Bosé y Gian Piettro Felisatti (o simplemente DiFelisatti) crearon un hit que en la versión de Daniela Romo se volvió algo así como un tema digno de curioso culto kitsch, no tan facilita de aprender por sus cambiantes versitos e innegablemente representativa de la primera etapa ochentera de música pop en español con un alto nivel de sintetizadores y estética juvenil casi infantil, aquí la divertidísima "Pobre Secretaria":




                  




"Esa sonrisa maravillosa
De irresistible seductor
Y es atractivo, de ejecutivo
Me ha roto en dos el corazón
Caigo en tus brazos, dame un abrazo
Que no hay antídoto mejor
Llámame esclava, llámame nena
Y no me ignores por favor."


De 1983 se me mezclan los recuerdos de los apenas 3 a 4 años que tenía, mayormente recuerdos de 'Hola Yola' y 'Enhorabuena' si me concentro en memorias musicales de la televisión en el Perú, y la Romo con su larguísimo pelo, soltura y encanto sin esfuerzo, con esta canción se me ha marcado en la cabeza a lo sello indeleble, tanto como su vídeo con Miguel Bosé (y las chicas de Fresas con Crema como las demás secretarias). Máxima canción divertida, desatada -y arrastrada- compuesta, uno diría, como para no resistir cantarla y matarse de la risa a la vez. Como para hacer un absoluto 'karaoke fail' como pocas veces es posible.

Da Brat - Funkdafied (1994)

Da Brat entró muy jovencita a las grandes ligas del rap en los 90's vendiendo disco de platino (1 millón de copias) de su primera producción "Funkdafied". En 1994 mi cerebro armó parte de la canción principal d este álbum con varios distintos trocitos que se emitieron en el segmento "Top 10 Billboard" de la sección farándula de "Ayer y Hoy" via Canal 2, Frecuencia Latina, trocitos distintos entre sí que me dejaban con la incógnita de si esta canción sería realmente tan estimulante al escucharla completa. Me tomó 7 años comprobarlo.




                 




Shawntae Harris tenía 18 años cuando ganó un concurso auspiciado por MTV y su programa "Yo! MTV Raps" en 1992 conociendo a Jermaine Dupri en el proceso y logrando lanzar "Funkdafied" el single y el álbum bajo su producción y alcanzando la posición #6 en el Hot 100 de Billlboard, uno de los más altos lugares para una artista femenina de rap hasta ese entonces. Este tributo al funk setentero, al soul más deshinibido y pensado y producido para presentar a Da Brat como una rapera gansta casi como una versión femenina de Snoop Doggy Dogg (que había lanzado su disco debut meses antes) logra un sonido poco probable y marcadamente alejado de otras producciones de Jermaine Dupri, así que les dejo uno de mis temas de rap favoritos de mediados de los 90's y pronto alguito más para compartir de Da Brat en este blog.

Smokey Robinson - Being With You (1981)

Pasaron y pasaron varios años antes que supiera que quien cantaba estaba esta canción no era una mujer, cada que la escuchaba en programas de música de los 80's o los que empezaban a considerar estas canciones como oldies ya en los 90's, esta voz tan cálida, aterciopelada, nunca en ese entonces se me hubiera ocurrido que fuera un cantante de rhythm and blues justamente reconocido por poseer un don muy especial tanto para componer como para interpretar. Aquí mi primer post con el gran Smokey Robinson:




                  




"Being With You" es una canción centrada en la negación de lo que otros pueden decir o afirmar sobre la persona que quieres y meterte ideas en la cabeza para que dejes a esa persona, pero Smokie sigue terco y dice que no le importa nada de lo que otros hagan, digan y que así decidan alejarse de él, lo único que desea es estar al lado de su amor. Pero las cosas parecen estar funcionando no muy bien, pues él mismo duda si estará haciendo bien o si se estará dejando enceguecer por el deseo...toda una descripción de un dilema afectivo en probablemente el mayor suceso comercial en solitario de Robinson quien alcanzó la 2da ubicación en el Hot 100 Billboard y el 1er lugar del ranking británico con este "Being With You" creo yo una de las más memorables de lo que la fusión del pop y el r&b nos ofrecía en 1981

K7 - Come Baby Come (1993)

Aquí me tengo que poner de acuerdo con mi versión puber de mi mismo y recordar como eran las cosas entre 1993 y 1994, el aplatanamiento del colegio, la estúpida idea de sentir que había que fingir cosas para agradar o encajar a veces, lo peor, con tu propia sexualidad, y aunque nunca lo llevé al extremo tenía que hacerme el sueco cuando se trataba de 'hembritas' aún así fueran las de los vídeoclips, y con esto de mi gusto por el hip hop (y por sus vídeos) parecía que todo encajaba, heterosexistamente hablando. Pero, no...



                   




Los vídeoclips de muchas buenas canciones de rap como bien saben, están llenos de delanteras y traseros femeninos en la misma proporción en que abundaban los efectos especiales sin sentido en los vídeos pop/rock de los 80's, pero sin duda las canciones eran y siguen siendo de mis favoritas y entre estas ahora he seleccionado este hit dance/rap/latino de mucha popularidad en 1993 a cargo de K7, cuyo frontman Louis Sharpe venía de cosechar algunos temas populares en los listados dance bajo la formación de estilo freestyle TKA, y que destacó mucho más al liderar el acto de rap K7 empezando con el obsceno "Come Baby Come", lleno de testosterona disparada por aquí y por allá, y enriquecida por un ritmo super bailable y  una percusión de terremoto que mezcla la irreverencia callejera del hip hop con el sabor latino subido de tono en cuanto a sexo se refiere. Canal 33 UHF le daba duro a este vídeo (de hecho miraba más la coreografía de los chicos que a las exhuberantes modelos) en 1994 y siempre parecía querer reventar el pobre parlantito de nuestro TV Panasonic de 14 pulgadas cuando llegaba fuerte este "Come Baby Come" en la transmisión. Rrricooo sonidooo!